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Archive for the ‘El Cine nuestro de cada día’ Category

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“PASCUAL DUARTE” (1976) DE RICARDO FRANCO O LOS RIESGOS DEL MÉTODO

Cine y Literatura son dos medios de expresión distintos; el primero utiliza la imagen para llegar al espectador; y la segunda, la palabra. Por ello, el paso de uno a otro medio plantea una serie de problemas, todavía no resueltos. Se ha optado, a veces, por la plasmación literal de un texto, para no perder ninguno de sus valores literarios (recuérdese el caso de “El Viejo y el Mar” de John Sturges, 1958); pero el problema seguí allí: aquello no era Cine, como tampoco lo eran las adaptaciones que, de Shakespeare, hiciera Laurence Olivier; se trataba de teatro filmado…

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- No, si aun encima nos van a poner pegas... Arre, Lucero, que no estamos bien vistos...

– No, si aun encima nos van a poner pegas… Arre, Lucero, que no estamos bien vistos…

Orson Welles lograría acercarse a la solución con “El Proceso” (1962), basado en la novela de Kafka y/o con “Campanadas de Medianoche”, pisando uvas shakesperianas.

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En general, los cineastas de aquí y de acullá se han limitado a coger los argumentos y a plasmarlos, dejando a un lado las preocupaciones formales. Piénsese, por ejemplo que, hasta la fecha, no se ha conseguido una película válida basada en el Quijote…don-quijote

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… O que joyas de la Literatura han servido de punto de partida para obras cinematográficas fallidas-  las más bien poco o nada valleinclanescas “Sonatas” de Bardem; las leyendas de Bécquer a través de los ojos del británico John Gilling, atreviéndose con “La Cruz del Diablo” (1975), o el “Platero y Yo” de Alfredo Castellón de 1965…, sin ir más lejos -, al despojar a los textos de su fundamental riqueza: la forma, el como, el estilo…

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Llevar al Cine “La Familia de Pascual Duarte” de Camilo José Cela resulta, de antemano empresa harto difícil. Ricardo Franco, su director y co-guionista (a tercias con Elías Quejeta y Emilio Martínez Lázaro), buscó una salida que recuerda a aquel “inverosímil impostor Tom Castro” de Borges: ya que el Cine no puede encontrar un equivalente válido a la Literatura y siempre se notará el “engaño”, conviene hacer una película completamente distinta a la novela, lo cual es un recurso que, de salir bien parado, no podría ser puesto en solfa la más sesuda Crítica.En primer lugar, donde leíamos un texto fuertemente expresionista, cercano al esperpento, vamos a pasar a contemplar imágenes bretchianas. Ya se sabe que Bretch sostenía que, en el Teatro, la capacidad de emoción de los espectadores anularía, o disminuiría, su sentido crítico. Pero no hay que olvidar que estamos hablando de Cine, donde el hecho de tratarse de una imágenes proyectadas constituye, ya de por sí, un importante elemento distanciador. Una vez más, lo que resulta válido para un medio transmisor, no lo tanto para otro. Unos actores embebidos en el “método”; un ritmo lento, analítico; la huida de toda emoción transcendida al exterior (recuérdese la muerte de la madre, p. e.) nos dan un “Pascual Duarte” que, aun no teniendo nada que ver con el de Cela, podría ser buen cine… ¿Lo es, en realidad…?

Se cuenta con una excelente fotografía de Luis Cuadrado; escuchamos una hermosa partitura de Luis de Pablo; ya se ha hablado de los magníficos actores (José Luis Gómez, premio al mejor actor en Cannes; Paca Ojea, metodista cum laude; Héctor Alterio, Joaquín Hinojosa…); se cuenta con un argumento interesante… Pero, en conjunto, esta suma de cualidades y calidades no acaba de funcionar, sobre todo porque el “Pascual Duarte” novela es un texto demasiado importante,  demasiado conocido como para poder olvidarlo mientras contemplamos el tratamiento planteado por Ricardo Franco en su versión. Y se trata, sin duda, de un film muy bello, muy trabajado… pero frío, gélido, que, lejos de invitarnos a una reflexión sobre lo que estamos viendo sin injerencias emocionales, nos lleva, en muchos momentos, al aburrimiento. Y es que la Literatura no es el Cine, en la misma medida que el Teatro no puede trasladar su arquitectura a otro Arte, por cercano que pueda parecernos.

Sea como sea,  de “Pascual Duarte” se sale con la sensación de haber visto un film fallido; pero nunca de que nos han tomado el pelo.

[Según informa Martínez Torres en su Diccionario del Cine Español de Espasa-Calpe, “En la actualidad la película tiene dos cortes, uno exigido por la censura del general Franco en una de sus últimas acciones, que hace que el “hijos de puta” final sólo se diga una vez y apenas se entienda, y otro por el productor Elías Querejeta, realizado años después de realizarse la película: la reducción a unas dimensiones mesuradas de la escena de la muerte de la mula”. Al parecer, durante dicha secuencia, se habría sacrificado al animal, lo que provocó el rechazo a diversos niveles, por la inútil crueldad que el hecho suponía. Además, llovía sobre mojado…

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En “Furtivos” (1973 de José L. Borau, se habría apaleado hasta la muerte a un perro, haciendo correr ríos de tinta como, sin duda, estaba previsto… Todo ello me remite, a la hora de escribir estas líneas, a la ejemplar secuencia de la muerte del caballo asirio en “Faraón” de Kawalerowicz donde, en todo momento, al espectador le es mostrado el simulacro].

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La siguiente película de Ricardo Franco. “Los Restos del Naufragio” (1978) pasó también por Cannes, donde Fernando F. Gómez obtuvo el premio de interpretación.

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Por último, permítannos constatar que la copia que se exhibe de “Pascual Duarte” no es digna, ni siquiera, de un circuito de cuarta categoría.

¿Ante quién puede un ciudadano reclamar en estos casos…?

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(Publicado en LA VOZ DE GALICIA, 4 de julio, 1978

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B. W. - ¡Ay, qué nervioso me pongo...!

B. W. – ¡Ay, qué nervioso me pongo…!

 

AQUÍ, UN AMIGO…(ELOGIO Y FLORILEGIO EN TORNO A BILLY WILDER)

 

INTROITO

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Hacía más de un cuarto de siglo que no regresaba al Stalag 18; sucedió tal que la pasada semana y fue para encontrarlo tan lleno de vida y de talento como solía en su momento de máximo esplendor, allá por los primeros 50. Supongo que su condición de “clásico” tiene que ver en ello. Pero no todos los clásicos resisten por igual la corrosión del Tiempo… En el caso presente, quizás se deba a que Billy Boy ha sido siempre amigo, buddy, old chum… (Con lo que quiera llamarle, se tiene que conformar, al cantar de la copla…). “Amigo”, sospechemos que le vale… De la copla al bolero: “Toda una vida/ estaría contigo…”

El hecho es que lo he estado… Mi cinefilia pasa, y si no, ponla prueba, por su filmografía desde que yo recuerde… Me he puesto de deberes el recordar aquí algunos  de sus “títulos sagrados”, aquéllos que siento más cerca de mi corazón y mi cabeza, junto a otros, no menos brillantes, de los que ha venido apostatando mi capricho, erre que erre: uno es muy suyo y de nadie más, a la hora de hacerse con su picha un lío.

Espero que este viaje a territorio Wilder (es decir: “más salvaje” todavía…) pueda despertar la curiosidad por parte de algún espectador recién llegado a esto de los sueños filmados y se enganche a su conga de Jaruco, la que venía arrollando…

Amén.

Fin del INTROITO.

TUMBAS POR AQUÍ, TUMBAS POR ALLÁ…

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La suya, en el Westwood Memorial de Los Ángeles, informada de lo siguiente:  SOY ESCRITOR… PERO NADIE ES PERFECTO.

Como aviso a navegantes, impagable. Los que amamos a B. W. sobre todas las cosas, siempre lo hemos sabido.  Y, cuando se ponía a escribir a medias con el rumano I.A.L. Diamond (¡Así cualquiera, tío…! A eso lo llamo yo “desayunarse con diamantes”…), entonces… Entonces, ¡ni te cuento…! Doce pelis juntos, como las doce uvas que pelaba Beulah, desde 1957 a 1981 (es decir: the final courtain), citadas de delante atrás: “Aquí un amigo”, “Fedora”, “Primera Plana”, “Avanti!”, “La Vida Privada de Sherlock Holmes”, “En Bandeja de Plata”, “Básame, Tonto”, “Irma la Dulce”, “Uno, Dos, Tres”, “El Apartamento”, “Con Faldas y a lo Loco”, “Ariane”…

Con sólo de pensarlo, se le corta a uno el resuello… ¡Dos hombres y un ingenio”, se llama esa película…!

TEXTOS SAGRADOS

(Difícil me lo quito y me lo pongo lo de quitarme el sombrero ante una carrera  semejante: a título por década… Ni a Sophie se lo pusieron tan difícil…)

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-DÍAS SIN HUELLA (“The Lost Weekend”, 1945, mi año de nacimiento; todo un presagio, ea…).- El alcoholismo con el culo al aire, mostrando su agujero sin fondo y sus vergüenzas. La prefiero a “Días de Vino y Rosas” (Blake Edwards, 1963) porque es menos “bonita” e, incluso, mucho menos complaciente. “Alcohólicos Anónimos” debiera pasarla entre sus asociados una vez a la semana, por lo menos. Si la comparamos, cosa que no aconsejo, con “Leaving Las Vegas” (Mike Figgis, 1995), tan cargada de ella de oscars y encendidos reconocimientos por parte de la Crítica, nos veríamos obligados a elegir entre la llama de la inspiración y  un castillo de  fuegos de artificio… O entre un Ray Milland  at his best y un Nicolas Cage a lo bestia…

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-TESTIGO DE CARGO (“Witness for the Prosecution, 1957).- Hasta un adolescente tirando a zangolotino con razonable parecido a Charles Laughton, a partir de su afición a Agata Cristine (sic), es capaz de reconocer una mandarina mecánica como la presente, donde todo funciona y todo parece destinado a nuestro gozo.

-¡ Pues yo no me encuuentro el parecido...!

-¡ Pues yo no me encuuentro el parecido…!

Velahí un doble reencuentro, tan dispar como la vida misma: Una O´Connor (viejos amigos desde “La Novia de Frankenstein” de Jaime Ballena) y Marlene Dietrich, con quien me había tropezado, en la noche de los tiempos, allá en Villarmayor, haciendo de gitana en “Golden Earings”, donde le tiraba trastos y pestañas postizas a Ray Milland, que el mundo es un pañuelo. Inter nos, la peli se titulaba “En las Rayas de la Mano”.

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- Esa Una resulta que soy yo; pero si llego a saber que me van a sacar en la red, vengo convenientemente rasurada...

– Esa Una resulta que soy yo; pero si llego a saber que me van a sacar en la red, vengo convenientemente rasurada…

Aquí y ahora, “Testigo de Cargo” nos deja una quote (no todo lo glamurosa que ), para la posteridad, a cargo de una extra con frase, pero menos, como más tarde se sabrá: “Will you kiss me, darling? (¿Me quieres besar, encanto…?). En su haber, además, de tercero en concordia, la resultona presencia  Tyrone Power, o el “poder del tirón”, una de esas aposturas masculinas cuyo encanto acaba siempre por ponerte en un aprieto… (Con la Criatura F., otrosí, se podía dormir como un bendito, morirse e ir al Cielo…) Y el matrimonio Laughton, Charles y Elsa (Lanchaster), como el perro y el gato, a partir un piñón y partirse las muelas…

Imposible calcular las veces que la he visto. Y aun sabiendo quién es el asesino, jamás ha dejado de sorprenderme su buen rollo inacabable…

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-LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES (“The Private Life of Sherlock Holmes”, 1970).- El mejor Holmes, sobre pantalla chica o grande, ever made; por salir, hasta se presenta en encuadre el viejo querido Nessy, en amor y compañía de una cuadrilla  de enanos carbonarios, unos cuantos canarios con tolondra y, derrochando encanto y  savoir faire, una Geneviéve Page (a no confundir con Geraldine, que esto no es “Some like it Hot”) a la que no había uno visto desde que fuera la Madame de Deneuve en “Belle de Jour” y a la que Mr. Holmes se las ponía muy duras (pero no viceversa). Como santo remedio para abulias, muermos y melancolías, abofé que Billy en general y esta peli en particular no tienen contrincante que les dure medio asalto al hipocondrio.

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-PRIMERA PLANA (“The Front Page”, 1974) .- Otra que tal, y con Walter Matthau (“Matao”, para sus íntimos) tocándole la moral a Jack Lemmon cosa mala. Se atrevía además con el remake de un clásico Howard Hawks, “Luna Nueva” (1943), nada que ver con la saga “Crepúsculo” (afortunadamente). Menuda tontería, ponerse a compararlas cuando ambas, by Wilder or by Hawks, resultan absolutamente  disfrutables. El mundo de la Prensa, tan cercano a Wilder, mostrando sus miserias, en una farsa tan tiernamente cruel en el fondo como desenfadada y matemática en la forma.

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-AQUI UN AMIGO (“Buddy Buddy”, 1981). Vino después de “Fedora” y ésta – discreto “run for cover” en busca de un “Sunset Boulevard” que llevarse al marchamo- , había supuesto, para mi leal saber y entender al menos, la ruda constatación de que la mina de diamantes salvajes Diamond + Wilder estaba a punto de agotarse, tras aquel continuado derroche de talento. Si algo no soporto – me pasó con Fellini, a partir de “Y la Nave Va…”: la nave ya no iba, marchaba a la deriva en el noventa por ciento del metraje- son los crepúsculos de las divinidades, echando por la herida del cansancio y la carencia de inventiva humores sin humor  y un sordo runrún de agua pasada. Por eso, he renunciado a ella, sin importar lo mucho que me duela. Cuando reúna el valor suficiente, pienso intentarlo, ea… Lemmon vs. Matthau… Pero, si te digo la verdad, no quiero verla… Ya lo dejó escrito Federico hablando de  la ausencia del amigo y su sangre derramada: “No quiero sentir su chorro, cada vez con menos fuerza…”A última hora, me ha entrado una duda no sé si hitchcockiana, fritzlangiana o galdosiana: a lo mejor, la he visto; pero se me ha borrado del disco duro por completo… (Pues peor me lo pones, compañero…)

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Títulos universalmente catalogados como masterpieces que nunca he sido capaz de apreciar como merecen. Y abróchense cinturones y bragueros ortopédicos porque, como decía Margo Channing, la noche se presenta movidita…

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-PERDICION (“Double Indemnity”, 1944). Con “The Postman Always Rings Twice”, lo mejor de lo mejor de James M. Cain, probablemente. Ambas tardaron una década en pasar a la pantalla grande. La versión Tay Garnett de “The Postman…” aparece en 1946 y, me ponga como me ponga, habiendo visto ambos títulos tarde y en TV., el recuerdo ha apostado siempre por ésta última, a lo mejor porque Lana Papadakis siempre me pareció mucho más zorrona y sofisticada que Barbara Dietrichson   (y John Gardfield muchísimo más frágil y entrañable que el MacMurray, dicho sea de paso). En la novela, manda castaña, el personaje se apellidaba Nirdlinger; toma chiste privado a costa de una vieja amiga de B. W…

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Conste que, con los textos que las originaron (1934 y 1936, por lo que se refiere al cartero- su opera prima-  y a la indemnización, respectivamente, me sucede otro tanto. El debut literario de Cain tiene muy reconcentrada su generosa ración de fatalismo sucio; “Doble Indemnización”, traducida inter nos  “Pacto de Sangre”, arrastra un sé qué de prisas por cobrar. En cualquier caso, ambas son vueltas de tuerca a idéntico tornillo de convento, en el interior del cual todos acaban por cagarla.

En el guion de “Perdición”, nada menos que Raymond Chandler, cuya situación en el ranking de la novela negra americana, con respecto a Hammet, si antes o después, es otro de los enigmas que tengo que descifrar cualquier día de éstos.  Me “pone” más el padre de Phillip Marlow que el de Sam Spade, seguramente por la condición de perdedor nato del primero.

Sospecho que quien se lleva el gato al agua en “Perdición” es Edward G. Robinson, más que nada porque Miss Stanwyck resulta un tanto vulgar, herencia Stanislalavski, seguramente, tras su paso por “Bola de Fuego”  Howard Hawks, y Fred McMurray , por su parte, no se puede decir ande sobrado de carisma. El viejo Barton Keyes, con su sexto sentido de olerse las tostadas a primeras de cambio, resulta ser el más agradecido de la historia: al final, va de bueno, y le enciende un pitillo al condenado a muerte.

De tanto en tanto, revisito este título. Nunca termino por localizarle el “tranganillo” y pongo mi culpa a mear.

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-EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (“Sunset Boulevard”, 1950). He aquí una peli que siempre me ha puesto muy nervioso, aunque no haya influido tanto en ello el hecho de que esté narrada por un cadáver, como la presencia ominosa de esa Gloria Swanson, personificación de una vagina dentada en permanente actividad trituradora de grandes y testículos, lo más parecido que imaginarse pueda a la planta carnívora de Corman. Todo huele a difunto en su tristeza en este bulevar de los sueños rotos, desde las presencias Von Stroheim o Keaton, al calvario golgotoso a que se ve sometido su protagonista William Holden, un esforzado tragador de sapos camino de la fama y de la tumba.

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-SABRINA (1954). Me da ganas casi de vomitar mi primer papillón tanto lugar común en torno a Audrey Hepburn que venido leyendo a lo largo de mi vida… Y “Sabrina” tuvo mucho que ver en ello, desde luego, en ruda competencia con sus “Vacaciones en Roma” en compañía de Gregory Peck, donde ambos iban como una moto, subidos a una vespa y al carro de la fama con cronopio. “Encantadora”, “adorable”, “delicadeza quintaesenciada”, “la feminidad hecha mujer de hoy” y lindezas de ese estilo a dios dar agua… Hombres y mujeres parecían adorarla con parejo entusiasmo empalagoso… Qué fina, qué estilosa, cuánto charmé francés se gastaba la niña… Y total, para acabar en los nervudos brazos de mi Bogart (y años más tarde, en los Gary Cooper), casi un viejo pellejo, a las alturas, sobre todo comparado con su hermano menor, Holden hasta en la sopa… A mí, Bogart sólo me lo quita Brígida O´Shaughnessy, la de “The Maltese Falcon”, aunque le cueste descender en ascensor hacia el cadalso… A la Bacall, se lo regalo yo, por haber dicho en “Tener o no Tener”, otra vez Hawks, una de mis frases favoritas: “Conmigo no tienes que fingir. No tienes que decir nada. Si me necesitas,  silba. Sabes silbar, ¿no es cierto…? Juntas los labios y soplas.” ¡Nunca antes una perra le había ladrado así a su perro…!

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“Sabrina” o el tema del “viejo y la niña” revisitado, como haría la Bardot al principio de su carrera, buena era ella, llevándose por delante, a base de morros y morritos, a cualquier veterano que se le pusiese a tiro, llámese Jean Gavin, yendo tan lejos, cuando éste se había convertido ya simplemente en leyenda…

De cualquier manera, sin que me sirva de consuelo, su remake de 1995, dirigida por Sidney Pollack, con Julia Ormond y Harrison Ford, resultó  absolutamente lamentable.

Nunca me gustó Hepburn. Para acabar de liarla, leí muchos años después que Luchino Visconti le había ofrecido protagonizar “Confidencias” y rechazó el papel (acabó haciéndolo Silvana Mangano) por cuestiones de edad del personaje y su condición de madre de Helmut Berger. Tales actitudes me parecen bien en una estrella del Cine; en una actriz, en una artista, no alcanzan a caberme en la cabeza, y eso que su tamaño es de condiciones poco o nada modestas…

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-CON FALDAS Y A LO LOCO (“Some Like it Hot”, 1959)- De siempre me han molestado las pelis donde el personaje interpretado por  Marylin asume su condición “tontita”, a la que cualquiera está en condiciones de llevarse al huerto del francés, porque ella se deja o no se entera. Eso, por un lado… Luego está lo de aquel embarazo que la cámara y la fotografía debían disimular a toda costa, circunstancia que terminó con una zancadilla playera cuyo resultado fue un aborto muy llorado. Por muchos momentos estelares Wilder que contenga la cinta- seguramente, la que más…-, su visión acaba siempre por resultante desasosegadora y deprimente…

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-EL APARTAMENTO (“The Apartment”, 1960). ¡Por San Jorge, qué película más triste…! Un tratado sado-maso sobre la condición laboral del trabajador made in los USA… Todo en ella resulta humillante y desolado… Cinco oscars, tres globos de oro y un montón de premios más avalan su categoría estético-moral… Hasta el momento en que leemos su clasificación como “comedia”… Tate, tate…Después de todo, eso había venido haciendo Wilder desde siempre: mezclar humor y drama con absoluto desparpajo: en “Stalag 17”, por ejemplo. Eso ya lo habían inventado los más encopetados clásicos y nadie había protestado hasta la fecha… Pienso en Guillermo Shakes y sus diálogos dislocados- “para besugos”, ea…- , antesala  del “Teatro del Absurdo” (y aquel Go to the Nunnery! de Hamlet, que tanta tinta ha hecho correr desde su estreno…) o en el “gracioso” omnipresente en el Teatro Español del Siglo de Oro… Velahí “Fuenteovejuna”: en medio de una atroz escena de tortura, va Mengo, el chistoso de turno, y se ofrece a confesar, por fin,  quién mató al comendador, y contestar, a continuación, para sorpresón de sus verdugos, que al comendador Fernán Gómez (¿no te digo lo que hay…?) se lo había cargado… ¡“Fuenteovejunita”…!

 Sólo que aquí, en este apartamento-picadero al servicio de los jefes, la amargura nos pilla muy de cerca, sin que la rebeldía llegue a asomar su cabeza de alfiler en ningún momento del proceso. Como mucho, un lamerse las heridas los cornudos, apaleados y contentos… Porque, entonces, ¿para qué están los sindicatos…? El guion no sabe / no contesta… A pesar de aparecer firmado por un admirador de “El Acorazado Potemkin”, “Ladrón de Bicicletas” o “Los Mejores Años de Nuestra Vida”… Y, ¿sabéis lo que os digo, camaradas del koljos…? ¡Jack Lemmon, con Wilder, siempre acaba por llevarse la peor parte…!

“Triste, triste…”, le decía Marta a George, en un momento de “¿Quién Teme a Virginia Wolf…? , referido a cómo habían podido caer tan bajo…

Siempre que puedo, procuro evitar el revisarla… A mí, “El Apartamento”, me parece una auténtica “tragedia americana”…

PEQUEÑAS GRANDES MARAVILLAS

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-EL GRAN CARNAVAL (“Ace in the Hole”- “as en la manga”; literalmente “en el agujero”- 1951) Como “Primera Plana”, pero emprendiéndola a patadas con tus partes pudendas… La vi, junto con “Cinco Tumbas al Cairo”, a mediados de los 50, en el “Madrid-París”, mi universidad cinéfila a distancia, disfrazada de cine de barrio. Por entonces, ni siquiera me interesaba por los directores de las pelis; sólo por la chica y el chico… Apenas sin salir de la infancia pipiola, me impresionó lo suyo aquella extraña historia periodística de “todo por la pasta”, cuya sangrante actualidad no ha dejado de crecer con el paso del tiempo. Chuck Tatum, su protagonista (Kirk Douglas), probablemente sea uno de los hi de puta más cínicos del bestiario de la Wilder Factory y su impronta puede adivinarse hoy, en régimen de comunión diaria,  a través de la escala de valores demostrada por los responsables de ciertos programas de la caja siniestra, especialistas en una tele-realidad bigger than mierda.

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-UNO, DOS, TRES. (“One, two, Three”, 1961) .- A los rogelios como el menda, estas comedias con la guerra fría como música de fondo tienen que ser muy buenas, para que uno comulgue con sus ruedas de molino. A Alida Valli, en “Senso” le pasaba tres cuartos de lo mismo con aquel militarote de Franz Mahler… Conste en acta que “Ninotchka” de Lubitsch (1939), con la Garbo riendo, es una de las pelis favoritas de Wilder, a pesar de todos los pesares anticomunistas que pudieran detectar en ella los chicos de la NKVD (Lo podéis mirar en Google. No lo voy a hacer yo todo, que caramba…)

Supongo que después de ver a Liselotte Pulver bailando la “Danza del Sable” de  Khachaturian, al más estalinista de la checa se le pasan las ganas de mandarlos a todos a Siberia. Y el chiste final de la Pepsi-Coca tampoco tiene desperdicio… Y está, en la cima del mundo como suele, un James Cagney uniformemente acelerado…

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En “The Foreign Affair” (“Berlín Occidente”, 1948), sin embargo, el reparto de sagradas formas entre bloques estaba bastante más equilibrado. El descubrimiento de Europa  por parte de una congresista yanky (Jean Arthur) tendía a no dejar títere o titiritero con cabeza. Además, andaba por allí una Dietrich de muchísimo cuidado, jugando (sí; pero no…no; pero, sí…) a interpretarse a sí misma en el papel de  Erika von Schlutöw, una cabaretera que habría tenido sus más con varios dirigentes nazis…

Bueno, pues eso… A mí, el rojerío, que no me lo toquen…

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-IRMA LA DULCE (“Irma la Douce”, 1963). Un musical francés del montón como punto de encuentro: Lemmon & McLaine meet again, tras el bombazo de “El Apartamento”. Él es Nestor Patou, un honrado gendarme parisino y ella, una prostituta todo a ciento cincuenta de la calle Casanova en el barrio de Les Halles. Una frase del guion- “Pero eso es otra historia…” – ha llegado a ser casi tan famosa como “A Dios pongo por testigo,  etc., etc., etc…”. El problema no es otro que acabar resultando dulce y tierna la película misma, cuando uno, con Wilder, espera siempre, aunque sea de puntillas, a walk on the wild side, un toque de rabiosa amargura, traducida al humor, ése que tanto duele, sólo cuando te ríes… Con el título siguiente, va a suceder algo muy parecido…

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-BÉSAME, TONTO (“Kiss Me Stupid”, 1964). Basada en la obra teatral de Anna Bonacci “La Hora de la Fantasía” (estrenada en España por Irene Gutiérrez Caba en el doble papel de esposa comme il faut y pilingui  next door), héteme aquí un vodevil con mucho más vitriolo de lo que suele suceder en el género de las camas y las puertas, que juega su mejor baza a partir de sus diálogos- I.A. L. Diamond +Billy, al aparato- y la presencia de una Kim Novak en su mejor momento como Polly, la Bomba, reina  y más bien poco señora o señorita de “The Belly Bottom” (“La perilla del ombligo”), antro de malísima reputación, si exceptuamos a sus prostitutas de  lujo medio bajo.

Zelda, la esposa fiel dentro de lo que cabe, está interpretada por Felicia Farr, esposa de Jack Lemmon. Al festejo se unen un marido celoso (Ray Waltson) y Dino (Dean Martin, quién sino…) mujeriego cantoso. Pero es que resulta que Orville J. Spooner,  cabeza de familia y de chorlito y un amigote suyo, Barney, dueño de la gasolinera local, son compositores de canciones y… Y se las arreglan para conseguir que el tal Dino pase la noche en casa del feliz matrimonio, no sin antes mandar a la señora Spooner con su madre, sustituyéndola por Polly la Bomba para que contribuya  al éxito de la operación pero sin macular el honor conyugal… Pues ya se ha armado, venga…

Ingeniosa y muy grata de ver, bastan dos o tres veces para considerarla una obra menor, nunca pequeña…

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-EN BANDEJA DE PLATA (“The Fortune Cookie”- “La galleta de la suerte”-, 1966). Lemmon vs. Matthau, un “Punch and Judy” de cuñado contra cuñado con la diversión asegurada, y nunca mejor dicho. Su jocundia se mantiene intacta, a lo largo de sus muchos capítulos, no importa las veces que la veas. A lo mejor, es el mejor Mathau de todo el lote…

SÍ, PERO…

Dos títulos con los que nunca he sido capaz de congraciarme. Toda la culpa es toda mía, lo más probable…

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-LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (“The 7th Year Itch – “La comezón el 7º año”-, 1955). Aun aportando un montón de momentos estelares al mito Monroe – las bragas a enfriar en la nevera, el aire procedente del metro levantando sus faldas o su personificación de los sueños más húmedos del varón americano medio-, su condición de pieza teatral trasplantada al Cine lastra  la ligereza del guion y lo encorseta hasta asfixiarlo de palabrería. Ítem más, el actor que encarna a su protagonista, Tom Ewell, está años luz de esa pareja feliz Lemmon-Matthaw en cuanto a carisma (a Roy Walston, el protagonista de “Kiss me, Stupid”, le sucedía otro tanto). Total, que me agobia a nivel de los calorazos veraniegos. Antes de verla la próxima vez, será cosa de meter en el congelador los calzoncillos.

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-¿QUÉ OCURRIÓ ENTRE TU PADRE Y MI MADRE…? (“Avanti!”, 1972) Y con ésta es peor… Ha llegado a aburrirme; y ello, con Wilder, suena a quedar excomulgado… A lo mejor, porque su resolución argumental me parece forzada; a lo peor, porque el tiempo que se ha ido, resulta inútil pretender resucitarlo… Con decir que encontré a Jack Lemmon  francamente patético… También podría achacárselo a ese horripilante título español, que me echó para atrás desde el primer momento… ¡A ver a quién le gusta que se metan con la madre de uno…!

LO QUE FALTABA…

Lo que faltaba es un heterogéneo batiburro de títulos que paso a enumerar, con la extraña sensación de que, en la mayoría de los casos, debería intentar verlos, siquiera una vez más, antes de condenarlos a la hoguera de mis vanidades personales…

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Lote nº 1 -“Mauveise Grain” (“Curvas peligrosas”, 1934), “The Emperor Waltz” (“El vals del emperador”, 1948) y “Saint Louis Spirit” (“El héroe solitario”,1957). Un triplete que tengo pendiente de estreno (¡a estas alturas…!); pero sucede que me da una enorme pereza el intentarlo, por si acaso… La primera, su debut en el Cine, fue realizada en Francia y la protagoniza Danielle Darrieux; según Filmaffinity, se trata de una “romántica película de gangsters”.  La segunda, aparece calificada por Carlos Aguilar, de quien tanto me fío generalmente, de “azucarada opereta” y está interpretada por Bing Crosby y Joan Fontaine. En cuanto la tercera en discordia, dedicada a la hazaña aérea  del piloto Lindberg, Nueva York- París, sin escalas, protagonizada por James Stewart, dudo mucho que me decida a probar suerte.

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Lote nº 2.- “The Major and the Minor” (“El mayor y la menor”, 1942) y “Love in the Arfernoon” (“Ariane”, 1957). Se trata de dos comedias, muy lejanas en el tiempo una de otra. En la primera, el plato fuerte lo aporta Ginger Rogers, nacida en 1911, treintañera por tanto, haciendo de colegiala para no tener que pagar billete entero en el ferrocarril,  y  pare usted de contar posibles atractivos. En el segundo caso, el emparejamiento de Audrey Hepburn y un maduro Gary Cooper que estás en los cielos, a la edad que tiene uno, no se está en condiciones de ponerse a dar vueltas en su noria.

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Lote nº 3.- Ya se ha aludido, si bien de pasada, en el transcurso de este escrito, a títulos como “Fedora”, su penúltimo trabajo, constatación del paso inexorable del Tiempo fugitivo, y lo que vino después, “Aquí, un amigo”. Todo empezó con la repesca de “Traidor en el Infierno”, ¿me siguen o acaso debería, dios no lo quiera, empezar de nuevo esta cantanta de nunca acabar…? (Se me han puesto los pelos como escarpias sólo de pensarlo…)

Viejo querido Wilder, ¿quién te vio y no te recuerda…? Era de ascendencia judía; su madre murió en el campo de concentración de Auschwitz… Él, en 2002, a los 95 años, de una neumonía…  “Buddy Buddy” es de 1981. A partir de entonces, las aseguradoras se negaron a respaldar sus proyectos, con lo cual se fue al carajo su carrera…

Me pregunto cuántas películas habrá filmado la mente de Samuel Wilder en los 21 años que pasaron entre ambas fechas y si no habría algún modo de verlas… A lo mejor, hay que morirse para eso…

EL FINAL FELIZ

Stanley Donen, el padre- a medias con Gene Kelly- de “Cantando bajo la Lluvia”, nacido en 1924, vive todavía y estuvo activo hasta 2003; pero eso es otra historia…)

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Dibujos de Negros, Castelao

Dibujos de Negros, Castelao

ÁFRICA Y EL CINE

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(APUNTES PARA UN COLOQUIO)

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Jueves 21 de abril.- CASA DE LAS PALMERAS- NEDA
"Campanadas a Medianoche" Fallstaff.- ¡Cuántas cosas hemos visto...!

“Campanadas a Medianoche”
Falstaff.- ¡Cuántas cosas hemos visto…!

1.-UNA VISIÓN DE INFANCIA DESDE LOS 70 AÑOS… ¡CUÁNTAS COSAS HEMOS VISTO!

-Las películas de Tarzán y los porteadores, precipitándose acantilado abajo, ante la total indiferencia del safari.

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  • TARZAN CONTRA EL MAU-MAU, film turco de 1952: Tarzán se mete en política…

  • UNA EDUCACIÓN SENTIMENTAL

  • La canción del Cola-Cao: “Yo soy aquel negrito del África Tropical…” + Antonio Machín y sus angelitos negros.

  • “El Negro que Tenía el Alma Blanca” de Alberto Insua.

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UN PAR DE CONSIDERANDOS

  • El negrito bueno y el negro malo.

  • Una tabla de salvación.

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  1. LA CABAÑA DEL TÍO TOM (1852) LA NOVELA MÁS VENDIDA DEL SIGLO XIX.

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  1. LUMUNBA Y EL CONGO.

  • Patrice Émery Lumumba, líder anticolonialista y nacionalista, fue el primero en ocupar el cargo de Primer Ministro de la República Democrática del Congo entre junio y septiembre de 1960. La CIA ordena su asesinato, para favorecer los intereses de las multinacionales estadounidenses. Muere el 17 de enero de 1961, a los 35 años.
  • Director: Raoul Peck

  • Coproducción Francia-Bélgica-Alemania–Haití.

  • El 30 de junio de 1960 el Congo, al centro de África, deviene país independiente. Lumumba, un joven periodista autodidacta, es el primer jefe de gobierno del joven Estado. El filme relata un período violento y complejo de la historia africana.

  • CANCIÓN QUÉ PASA EN EL CONGO.- Dodó Escolá. Todavía puede escucharse en Youtube.

 Dorothea Lange - Mississippi Delta Negro children, 1936

RACISMO Y LITERATURA

SHAKESPEARE: la excepción que confirma la regla. AGÍTESE ANTES DE USARLO.

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 OTELO, el sucio moro, pero siempre según Iago, seguramente el villano más villano de todos los villanos, que se las arreglaba para que los otros cometieran sus crímenes. El personaje es tan potente que lo elige Agatha C. para la despedida de Poirot, TELÓN.

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 SHYLOCK

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Acto III, escena 1

¿Es que un judío no tiene ojos? ¿Es que un judío no tiene manos, órganos, proporciones, sentidos, afectos, pasiones? ¿Es que no se alimenta de la misma comida, herido por las mismas armas, sujeto a las mismas enfermedades, curado por los mismos medios, calentado y enfriado por el mismo verano y por el mismo invierno que un cristiano? Si nos pincháis, ¿no sangramos? Si nos hacéis cosquillas, ¿no nos reímos?

LAZARILLO

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Capítulo 1

Ella y un hombre moreno de aquellos que las bestias curaban vinieron en conocimiento. Éste algunas veces se venía a nuestra casa y se iba a la mañana. Otras veces, de día llegaba a la puerta en achaque de comprar huevos, y entrábase en casa. Yo, al principio de su entrada, pesábame con él y habíale miedo, viendo el color y mal gesto que tenía (…) De manera que, continuando la posada y conversación, mi madre vino a darme un negrito muy bonito, el cual yo brincaba y ayudaba a calentar. Y acuérdome que, estando el negro de mi padrastro trebejando con el mozuelo, como el niño vía a mi madre y a mí blancos y a él no, huía de él, con miedo, para mi madre, y, señalando con el dedo, decía:

-¡Madre, coco!

Respondió él riendo:

-¡Hideputa!”

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QUEVEDO Y SU BODA DE NEGROS

Vi, debe de haber tres días,

en las gradas de San Pedro,

una tenebrosa boda,

porque era toda de negros.

Parecía un matrimonio

concertando en el infierno,

negro esposo y negra esposa,

y negro acompañamiento.

Iban los dos de las manos,

como pudieran dos cuervos;

otros dicen como grajos,

porque a grajos van oliendo.

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LOS NEGROS EN EL TEATRO DE LOPE DE VEGA : “EL NEGRO DEL MEJOR AMO”, “EL SANTO NEGRO ROSAMBUCO DE LA CIUDAD DE PALERMO”, “EL AMANTE AGRADECIDO”

Frida Weber:”El motivo literario que nace en Portugal y que incorpora a la literatura castellana Rodrigo de Reinosa alcanza su máxima elaboración y enriquecimiento con Lope de Vega, aunque ya aparecía totalmente organizado a mediados del siglo XVI: el negro, pero sobre todo la negra, era entonces una criada que hablaba castellano deformado, que hacía alarde de hidalguía en su tierra de origen, que se creía hermosa y capaz de despertar amores; se mencionaban lugares de África, patria del personaje, y una y otra vez se ponían de relieve el gusto y habilidad para el canto y el baile; hay cierta procacidad de lenguaje, sobre todo en relación con lo erótico, y abundantes motes de los otros personajes por el color de la tez y la condición esclava.

En ese tratamiento ya convencional del personaje ocupa lugar primordial, sobre todo en Diego Sánchez, la deformación idiomática que se incrusta muy fácilmente en la secular tradición medieval que cultivaba la mezcla de lenguas, sobre todo latín y lengua vernácula, con fines satíricos o cómicos.”

CERVANTES

CERVANTES Y LOS NEGROS

El interés suscitado por conseguir licencias, cuya rentabilidad era garantía de riqueza, es el que se recoge en El Quijote cuando a Sancho le prometen el reino de Micomicón, en Guinea: “Sólo le daba pesadumbre el pensar que aquel reino era en tierra de negros, y que la gente que por sus vasallos le diesen habían de ser todos negros, a lo cual hizo luego en su imaginación un buen remedio y díjose a sí mismo: “¿qué se me da a mí que mis vasallos sean negros?, ¿habrá más que cargar con ellos y traerlos a España, donde los podré vender, y a donde me los pagarán de contado, de cuyo dinero podré comprar algún título, o algún oficio, con que vivir descansado todos los días de mi vida? Por negros que sean los he de volver blancos o amarillos (I parte, cap. XXIX).

Hablando de los soldados viejos, a los que se licenciaba por su edad después de haber servido al rey en los mejores años de su vida y sin ninguna prebenda, Cervantes los compara a los esclavos que, por la misma circunstancia, se veían liberados a la fuerza y abocados sin remedio a una esclavitud peor: “… porque no es bien que se haga con ellos lo que suelen hacer los que ahorran y dan libertad a sus negros cuando ya son viejos y no pueden servir, y echándolos de casa con títulos de libres, los hacen esclavos de la hambre, de quien no piensan ahorrarse sino con la muerte” (El Quijote II parte, cap. XXIV).

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LA PALABRA NEGRO SEGÚN LA RAE

  1. adj. Moreno, o que no tiene la blancura que le corresponde.

  2. adj. Oscuro u oscurecido y deslucido, o que ha perdido o mudado el color que le corresponde8. adj. Muy sucio.

  3. adj. Dicho de la novela o del cine: Que se desarrolla en un ambiente criminal y violento.

  4. adj. Dicho de una sensación negativa: Muy intensa.

  5. adj. Dicho de ciertos ritos y actividades: Que invocan la ayuda o la presencia del demonio. Magia negra.Misa negra.

  6. adj. Infeliz, infausto y desventurado.

  7. adj. coloq. Muy enfadado o irritado.

  8. m. Persona que trabaja anónimamente para lucimiento y provecho de otro, especialmente en trabajos literarios.

  9. f. coloq. Mala suerte.

  10. f. Mús. Nota cuya duración es la mitad de una blanca.

 

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5.- ÁFRICA Y EL CINE, CONTINENTE Y CONTENIDO.

El cine del Oeste sigue las mismas pautas y lo mismo el que refleja la situación de Palestina y el estado de Israel. Cabe preguntarse lo que diría la ficha policial de Agustina de Aragón.

- ¿Terrorista una servidora...? ¡Os vamos a dar pal pelo, gabachos de m..."!

– ¿Terrorista una servidora…? ¡Os vamos a dar pal pelo, gabachos de m…”!

 

 

Problemas que surgen a la hora de enfrentarse al tema de CINE AFRICANO

– MAGNITUD DE ESCENARIOS Y VARIANTES GEO-POLÍTICAS.

-EL DESPLAZAMIENTO DE ESCLAVOS AFRICANOS AL CONTINENTE AMERICANO PARA SUSTITUIR, COMO MANO DE OBRA, A UNOS INDÍGENAS NO APTOS PARA LOS TRABAJOS DUROS, DANDO LUGAR A UN NUEVO CICLO, DESDE EL SERVICIO DOMÉSTICO DE “GONE WITH THE WIND” A SPIKE LEE, PASANDO POR SIDNEY POITIER.

Mammy.- En technicolor resultaba usted bastante más lucida, Zeñorita. Escarlata...

Mammy.- En technicolor resultaba usted bastante más lucida, Zeñorita Escarlata…

-LAS VOCES ENCARGADAS DE HACERNOS CONOCER UNA MULTIRREALIDAD , EN UN ALTO PORCENTAJE, NO SON AFRICANAS: PROCEDEN DE PAISES COLONIALES.

-POR LO GENERAL, MUY POCOS TÍTULOS LLEGAN AL GRAN PÚBLICO Y LOS MEJORES SE MUEVEN SOLO ENTRE FESTIVALES.

DE NORTE A SUR

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–  “LA BATALLA DE ÁRGEL” (1965) Relato sobre los orígenes, el desarrollo y el fin del enfrentamiento entre el Frente de Liberación Nacional (FLN) de Argelia y las autoridades coloniales francesas. El protagonista, Ali La Pointe, es uno de los más destacados activistas de la Casbah de Árgel.

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 “EL ATENTADO” DE Ives Boisset (1972) Film basado en el caso Ben Barka, político marroquí que luchó por la independencia y más tarde fue un destacado disidente del régimen de Hasan II. Ben Barka nació en Rabat en 1920 y murió en extrañas circunstancias en París en 1965. Su secuestro y asesinato a manos, presuntamente, de los servicios secretos marroquíes con el beneplácito de los servicios secretos franceses fue uno de los episodios más significativos de la historia de Marruecos.

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 “GRITA LIBERTAD” (1987)

El_cielo_protector-652359706-large  “EL CIELO PROTECTOR” (1989)

EJEMPLO DE AMPLITUD DE TEMAS A TRATAR, POR MUCHO QUE TODAS TENGAN EL IMPERIALISMO COMO MÚSICA DE FONDO.

-EL CASO PONTECORVO: ALGÚN SECTOR DE LA CRÍTICA LLEGA A REPROCHARLE MOSTRAR LAS CONSECUENCIAS DE UN ATENTADO TERRORISTA, CON PLANOS DE CADÁVERES DE MUJERES Y NIÑOS.

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-EL CASO OUSMANE SEMBENE, CINESTA SENEGALÉS CONSIDERADO EL PADRE DEL CINE AFRICANO, CUYO CORTOMETRAJE BOROM SARRET- 1962-, PRIMERA PELÍCULA AFRICANA REALIZADA POR UN NEGRO AFRICANO.

Ousmane Sembène (Ziguinchor, 1 de enero de 1923Dakar 9 de junio de 2007) actor, director, escritor, guionista y activista político senegalés).

En 1942, entra al ejército francés y en 1946 se instala en Marsella, donde desempeña varios trabajos, sobre todo de estibador y se afilia al Partido Comunista Francés y a la CGT. Además milita contra la guerra en la Indochina francesa y por la independencia de Argelia.

En 1956, publica su primera novela, Le Docker noir (El estibador negro) que relata su experiencia.

Comienza a pensar en el cine en 1960, año de la independencia del Sudán francés (más tarde Malí) y de Senegal,

En 1961, asiste a la escuela de cine de Moscú y en 1962 realiza su primer cortometraje Borom Saret,. Su primer largometraje, La Noire de…, sale en 1964 y recibe el Prix Jean Vigo de ese año, en él hace una crítica social y política con la historia de una joven senegalesa que va a trabajar a Francia, donde la esclaviza una familia hasta el punto de llevarla al suicidio. Su película sobre la burguesía senegalesa Le mandat (1968) fue galardonada con el premio de la crítica de la Mostra de Venecia.

En 2000, con Faat Kiné, debuta con su tríptico sobre el heroísmo cotidiano sobre la mujer africana, que le vale premios como el de festival internacional de Marrakech. Ha sido además galardonado con premios de las Universidades de Harvard o Boston o la Legión de Honor entre otros.

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Título original: Moolaadé (Senegal-Francia-Burkina Faso-Camerún-Marruecos-Túnez)

Director: Ousmane Sembene.

Resumen:

Collé Ardo vive en un pueblo africano. Hace siete años no permitió que su hija fuera sometida a la ablación, una práctica que le parece una barbarie. Hoy cuatro niñas huyen para escapar del ritual de la purificación y piden a Collé que las proteja. A partir de ese momento, se enfrentan dos valores: el respeto al derecho de asilo (el moolaadé) y la tradición de la ablación (la salindé).

"DIBUJOS DE NEGROS"

“DIBUJOS DE NEGROS”

OBRAS LITERARIAS AFRICANAS LLEVADAS AL CINE POR DIRECTORES EXTRANJEROS.

Adaptaciones que han hecho los directores extranjeros de las obras de los cuatro ganadores del Premio Nobel de Literatura africanos.

   John Maxwell Coetzee  (Premio Nobel en 2003)

Dos son las adaptaciones que directores extranjeros han realizado de la obra de este escritor sudafricano nacionalizado australiano:

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“En medio de ninguna parte” (1977) fue adaptada por la belga Marion Hänsel, en 1985, en su película “Dust”. Los actores principales también son extranjeros: Jane Birkin y Trevor Howard.
La película: cuenta la historia de Magda, quien asesina a su padre después de que éste mantenga una relación amorosa con la mujer de un trabajador de su plantación.

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“Desgracia” (1999) adaptada por el director australiano Steve Jacobs en 2008, bajo el mismo título.

John Malkovich y Jessica Haynes son padre e hija en esta película basada en la novela homónima del mismo nombre.

Un profesor universitario tiene que dejar su puesto de docente tras mantener una relación amorosa con una alumna. Trasladado a la granja de su hija, se verá inmerso en un conflicto violento al ser atacado por un grupo de jóvenes.

Nadine Gordimer (Premio Nobel en 1991)

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 Una novela de Nadime Gordimer fue adaptada por el director danés Henning Carlsen para la película “Dilemma” (1962), a partir de las premisas del “cinema verité”, film basado en la novela “Un mundo de Extraños”. Fue rodada en secreto por problemas con las autoridades sudafricanas.

Naguib Mahfuz (Premio Nobel en 1988)

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El director mexicano Jorge Fons adaptó la novela “El callejón de los milagros” (1947), de Naguib Mahfuz, para la película del mismo título (1994). Interpretada por Salma Hayek y Ernesto Gómez Cruz.

La historia original ocurre en El Cairo en los años 40. El filme, adaptado por Vicente Leñero se traslada a los años 90 en pleno centro histórico de Ciudad de México

Wole Soyinka (Premio Nobel en 1986)

En Nigeria hay una película suya, pero ningún director extranjero ha filmado sobre su obra.

Blues for a Prodigal (1984), dirigida y escrita por él, es una película experimental en yoruba y en otras lenguas de Nigeria, incluído inglés (pidgin).

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“DIBUJOS DE NEGROS”

LA SEGRACIÓN RACIAL SUDAFRICANA EN EL CINE

Cry Freedom (1987)

Director: Richard Attenborough

Una apasionante historia real sobre los atropellos de la policía frente a las voces que expresan ideas de unificación y liberación de África. El filme se centra en Donald Woods (Kevin Kline), un periodista del diario independiente africano Daily Dispatch, que continuamente publicaba editoriales encontradas con las ideas del activista social Steve Biko (Denzel Washinton), hasta el momento en que ambos personajes se conocen y comienzan a entretejer una amistad. Cuando Biko muere mientras está en custodia de la policía, el periodista buscará continuar dando vida a la voz de libertad del activista, por lo que decide comenzar a escribir un libro sobre su amigo y su causa.

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UN MUNDO APARTE.- 1988, CHRIS MENGES. (Reino Unido) contó cómo un matrimonio blanco era acosado por su postura contraria a la división en un drama ambientado en los años Setenta.

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UNA ÁRIDA ESTACIÓN BLANCA, 1989 (USA).- EUZHAN PALZY, LA PRIMERA MUJER NEGRA DIRECTORA, MARTINICA en la que el castigado es un profesor blanco que se implica más de lo considerado adecuado en las reivindicaciones negras. La protagonizaron Donald Sutherland, Marlon Brando y Susan Sarandon, trío de ases al servicio de la lucha por los Derechos Civiles.

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The Power of One (1992)   Director: John G. Avildsen

Retrata la vida de un muchacho inglés en la Sudáfrica de los años 30, desde su nacimiento hasta la mayoría de edad. Se muestra así un aspecto poco conocido de la vida de este país: la curiosa segregación existente dentro de los propios blancos, entre los afrikaners -descendientes de holandeses, franceses y alemanes, que constituyen la clase dirigente- y los ingleses.

Hay que tener en cuenta que tanto los ingleses como los afrikaners eran favorables al apartheid; en la película queda muy suavizada la participación de los ingleses en las represiones de los negros.

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-“SERAFINA”.-  1992. El sudafricano Darrell Roodt recreó las revueltas estudiantiles de Soweto en 1976 de una forma atípica: en formato musical con la adaptación de ‘Sarafina!’, una obra de Mbongeni Ngema. El reparto lo encabezó Whoopi Goldberg, conocida entonces gracias a ‘El color púrpura’. En esta película, encarna a una profesora de Soweto, de nuevo la fuerza de la educación, que se niega a seguir las pautas oficiales y ofrece a sus alumnos una visión de la Historia más concienciada con la lucha negra.

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“BOPHA” 1994  ‘Bopha’, la primera película de Morgan Freeman como director, en la que se mira Sudáfrica desde un ángulo al que no se había recurrido hasta entonces: el de los negros reclutados por la policía blanca para delatar, detener e incluso torturar a los suyos. Estos ‘traidores’ vivían en los mismos barrios periféricos que los militantes de organizaciones antirracistas, lo que provocó numerosos conflictos.

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‘Un país en África’ (Reino Unido, 2004), JOHN BOORMAN con Juliette Binoche y Samuel L. Jackson, muestra las torturas y desapariciones perpetradas por la policía desde el punto de vista de sus víctimas, citadas ante la Comisión de Verdad y Reconciliación encargada de esclarecer los hechos.

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RED DUST, 2004, TOM HOOPER, (“Tierra de Sangre”) La trama se centra en las audiencias de la Comisión de la Verdad y la Reconciliación de Sudáfrica, cuyo fin era cerrar las heridas abiertas por las atrocidades del apartheid. Los protagonistas son Alex Mpondo (Ejiofor), miembro del Parlamento del Congreso Nacional Africano, que fue torturado durante su estancia en prisión, y la abogada de derechos humanos Sarah Bercant (Swank).

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“ATRAPA EL FUEGO” (2006), PHILLIP NOYCE película que muestra los últimos actos de represión blanca que terminaron con la llegada al poder de Mandela.

Antes de que Patrick Chamusso (Derek Luke) se convirtiera en uno de los militantes más respetados del Congreso Nacional Africano, era capataz en una refinería de carbón y vivía de espaldas al mundo de la política. Pero, de repente, se le acusa de hacer volar las instalaciones de la refinería, es arrestado y sometido durante días a un interrogatorio implacable. Su mujer también sufre un trato brutal con el fin de arrancarle una confesión. Cuando el jefe de la policía Nic Vos ordena la puesta en libertad de la pareja, Patrick se ha convertido ya en un radical.

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DISCTRICT NINE (2009), de Neil Blomkamp, en la que la segregación de una raza alienígena en un gueto de Johanesburgo se convierte en metáfora sobre la historia del país. Blomkamp, sudafricano, basó la película en sus experiencias de infancia.

TÍTULOS RELACIONADOS

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SIMBA 1955.- Brian Desmond Hurd: en la Kenia del mau-mau, negros malos contra blancos buenos.

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-HOTEL RUANDA.2004. Reino Unido. Terry George. 1994, guerra civil de Ruanda. Los odios ancestrales entre los hutu (la etnia dominante) y los tutsi provocan el asesinato del presidente del país, disturbios en las calles y, finalmente, una terrible matanza de los tutsi. Paul, que es hutu, trabaja como gerente de un hotel de lujo de Kigali y, cuando empiezan los disturbios, decide que el mejor refugio es precisamente el hotel. Y hacia allí organiza una huida desesperada acompañado no sólo de su familia, sino también de sus vecinos tutsi. Basada en hechos reales.

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EN UN MUNDO MEJOR.- SUSANE BIER 2010. DANESA. EL SENTIDO DE LA NO VIOLENCIA.

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UNA MUJER EN ÁFRICA– 2011- CLAIRE DENIS

Disponiendo de un título tan clarificador como “White Material” (“material blanco”). Nótese, sin embargo, que, a lo largo del guión, oiremos hablar de “basura blanca”(lo de “bwana” ha pasado a mejor muerte). Mademoiselle Denis sabe de lo que habla: nacida en París, se crió en colonias africanas (Somalia, Senegal, Camerún…); no menos digno de fiar será su aprendizaje: fue ayudante de Costa-Gavras, Jacques Rivette (padre y muy señor mío, junto con Godard, de la Nouvelle Vague, hoy olvidado), Wim Wenders…Lleva haciendo cine desde el 88 (“Chocolat”), con el tema africano como fondo. Ésta es su primera peli estrenada en España.

La acción de “White Material” no especifica el dónde de ese continente negro, primero objeto de pillaje y desnaturalización cultural a sangre y fuego, y hoy mentiroso objeto de temor ante la llegada de los casi exánimes embajadores de su infierno, víctimas de un colonialismo salvaje, que, una vez esquilmadas, fueron abandonadas a su suerte. No le ha quedado al amo blanco de un ayer de barbarie imperialista ni compasión ni síntoma alguno de arrepentimiento. Velahí, en medio de semejante vorágine, una mujer blanca incapaz de asumir su condición invasora, que se siente dueña de la tierra. No es una cinta cómoda de ver- ¿acaso lo son las películas francesas?-, sobre todo porque no se nos ofrece un mensaje masticado: has de roer la parte que toca de responsabilidad en una crónica planteada sin maniqueísmos. La visión del desastre africano que los colonizadores suelen ofrecernos resulta un insulto a la razón y a la decencia histórica. En “Memorias de África”(Sidney Pollack, 1985), sin ir más lejos en el tiempo (el “Mogambo” fordiano), aquélla aparece utilizada como decorado exótico para un romance netamente caucásico.

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Desde otras coordenadas ideológicas, “La Batalla de Argel” (Gillo Pontecorvo,1965) intentaba un análisis riguroso del fenómeno colonial y “El Cielo Protector”, 1987, de Bernardo Bertolucci, suponía un reconocimiento emocionante de unos valores humanos sistemáticamente solapados.

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“Sangre sobre la Tierra” (“Something of Value”, Richard Brooks, 1960), según la novela de Robert Ruark, centrada en la independencia de Kenia, haría responsables de tanto dolor y tanto desafuero a blancos y negros, indistintamente, un tipo de análisis tan manejable como injusto: son los negritos malos los que estaban en su tierra.

“White Material” es un típico manjar de festivales. Un cine teóricamente popular cuya envoltura se viste con ropajes elitistas. Uno se siente incapaz calibrar hasta que punto su compromiso es valido y/o sincero. Se comparte el mensaje; su operatividad, a partir del formato, resulta impredecible.

Nelson Mandela en el Cine

No son pocos los directores de cine que decidieron retratar la figura del valiente Nelson Mandela, quien logró convertirse en el primer presidente electo democráticamente en Sudáfrica, luego de haber permanecido 27 años en prisión por sus ideas de libertad.

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Invictus (2009)

Director: Clint Eastwood

Una de las biopics más emocionales sobre la figura de Nelson Mandela, el primer presidente elegido democráticamente mediante el voto universal. La película refleja el carácter del mandatario en su esfuerzo por unificar el país que gobierna. La historia se centra en la idea de Nelson Mandela, protagonizado por Morgan Freeman, de romper las barreras que dividían  a África del Sur a través del lenguaje universal del deporte y la identidad. Para lograrlo, el presidente Mandela decide unir fuerzas con el capitán del equipo de rugby del país, encarnado por Matt Damond, para lograr una hazaña que podría ayudar a la unión de los sudafricanos: llegar al Campeonato Mundial de 1995. El filme retrata la inteligencia, el carácter y el poder de convicción que tiene el mandatario en un país que apenas superaba los resquicios del apartheid.

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GODBYE BAFANA (2007), del director Billie August, es también uno de los retratos más nobles y poderosos que existen del mandatario Nelson Mandela. La historia se centra en un  sudafricano blanco racista que cambia su forma de pensar  tras la convivencia con el prisionero que cuidaba, Nelson Mandela.

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Mandela en Malcom X (1992)

El presidente Mandela apareció en una escena del filme Macolm X, dirigido por Spike Lee y protagonizada por Denzel Washington, en el que el mandatario dirige un discurso muy conmovedor a un grupo de niños sobre el derecho a la libertad, a ser hombre y a vivir en paz.

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El APARTHEID VISTO POR CINEASTAS AFRICANOS

La visión del fenómeno conocido como apartheid desde la propia Sudáfrica. En este bloque te presentamos los filmes más representativos de directores que vivieron  y describen la discriminación racial de ese régimen contada desde la perspectiva de los sudafricanos.

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1.- Drum (2004)

Director: Zola Maseko

Nacido en Tanzania, pero víctima de la xenofobia durante la última fase del apartheid, el director Zola Maseko, toma la historia de Henry Nxumalo, un periodista  de la prestigiada revista sudafricana Drum durante los años 50 y sumida en la vida nocturna en Johannesburgo. Henry lleva una acomodada existencia divagando y escribiendo sobre deportes en la mentada revista, pero a raíz de las crueles políticas del apartheid, la comodidad a la que irresponsablemente se había acostumbrado se ve amenazada; esta historia ofrece un fresco vibrante, aunque convencional, sobre el apartheid en los 50, desde la óptica periodística.

2.-Katrina (1969)

Director: Jans Rautenbach

Uno de los directores más controversiales y celebrados en la historia del cine sudafricano, Rautenbach fue una de las figuras más importantes durante la llamada “Época de Oro” del cine sudafricano a mediados de los años 60. Katrina es la historia de una mujer y su hijo que viven como blancos cuando en realidad son couloreds (mestizos). El drama, que establece una especie de exótico giro sobre la premisa del melodramón Imitation of Life (1959) del alemán Douglas Sirk, es mucho más agresivo y confrontacional sobre las políticas raciales en Sudáfrica y la crisis identitaria del mestizo y su permanente destierro.

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3.-Mapantsula (1988)

Director: Oliver Schmitz

Un filme que hace de la crudeza su único medio de comunicación en un ambiente que únicamente ofrece dos salidas: la preservación individual o la resistencia colectiva. Con presencia en el Festival de Cannes en 1988, en la sección Un Certain Regard, Mapantsula fue uno de los pocos filmes que pudo sortear con habilidad la censura en Sudáfrica y convertirse en un pequeño fenómeno en algunos circuitos de video underground por su brutal retrato de la vida urbana en Sudáfrica.

UN DOCUMENTAL AL RESPECTO

El apartheid también puede ser una forma de mostrar la unión de diferentes expresiones artísticas que surgieron para protestar contra la discriminación. Un documental que muestra que la adversidad también acarrea algunos brotes de esperanza.

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4.-Amandla! A Revolution in Four Part Harmony (2002)

Director: Lee Hirsch

Este documental, galardonado en el festival de cine de Sundance por el público asistente, presenta el apartheid y la lucha contra el mismo desde su faceta más noble: la resistencia artística.

MENÚ PERSONAL

-SANGRE SOBRE LA TIERRA (RICHARD BROOKS, 1957)

Novela Robert Ruark. ALGO DE VALOR

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“AQUEL QUE INTENTE DESPRENDERSE DE SU TRADICIONAL MANERA DE VIVIR E INHIBIRSE DE SUS BUENAS COSTUMBRES, OBRARÁ CON PRUDENCIA SI PREPARA ALGO DE VALOR CON QUE SUSTITUIRLAS”. PROVERBIO BASUTO.

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-AFRICA ADDIO (GUALTIERO JACOPETTI, 1970), documental fascista, prohibido  por la censura de Fraga… ¡por racista…! (aunque fuese anticomunista, como afirmaban los empeñados en estrenarla).

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-MANDINGO (RICHARD FLEISCHER, 1975)

Producción de Dino de Laurentiis, realizada por Richard Fleischer. Se basa en la novela “Mandingo” (1957), de Kyle Onstott. Rodada en la plantación Ashland-Belle Helene (Louisiana), ganó el Golden Screen.
La acción tiene lugar en la plantación Falconhurst (Louisiana), en torno a 1840, antes de la Guerra Civil. Narra la historia de Warren Maxwell (James Mason), propietario esclavista de una plantación y, a la vez, tratante de esclavos, que los explota inhumanamente, los dedica a luchar en espectáculos públicos, fomenta la natalidad de las mujeres para vender los bebés a precios de mercado muy ventajosos, los somete a abusos sexuales, les inflije castigos físicos y mutilaciones y dispone de sus vidas como si fueran animales de granja. Deseoso de tener un nieto, arregla el matrimonio de su hijo Hammond (Perry King) con Blanche (Susan George), hija del propietario de una plantación vecina. La unión de ambos provoca una cadena de incidencias dramáticas.
La película ofrece una visión brutal del trato que recibían los esclavos de color en las plantaciones del Sur de EEUU antes de la Guerra Civil. La obra levantó una amplia polémica, protestas y críticas, que fomentaron su éxito comercial, pero determinaron su olvido progresivo hasta el punto que en los años 90 del XX sólo se pudo encontrar una copia de la cinta. Muchas descalificaciones se focalizaron en los desnudos frontales, las relaciones interraciales de amor y sexo, las relaciones incestuosas entre blancos, la ninfomanía de Blanche y otros aspectos más relacionados con el mundo de los prejuicios que con el análisis de la obra, calificada por algunos como “una bocanada de aire fresco”, reflexiva, crítica y desmitificadora de la historia esclavista americana. Son destacables la escena del linchamiento de un sirviente colgado de los pies, la fría administración de un vaso de brandy con estricnina, el rechazo de Blanche por no llegar virgen al matrimonio, el castigo mortal de Mede en agua hirviente.

CICLO ESPAÑOL

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CARTAS DE ALOU.-1990- Montxo Armendáriz.

Concha de Oro en en San Sebastián

Alou, un senegalés que entra clandestinamente en España, se ve forzado a trabajar en diversos sitios en unas condiciones muy precarias debido a su situación de ilegal. Gracias a las cartas que envía periódicamente a su familia, conocemos sus experiencias y sentimientos en este difícil proceso de integración en la sociedad española. Inicia su trayecto en las costas de Almería, trabajando en los invernaderos. Continua hasta Madrid, donde tiene el primer contacto con la venta ilegal. Después se desplaza al Segrià para trabajar en la recogida de la fruta y finalmente se va a Barcelona, donde trabaja en el taller de confección de otro inmigrante africano. La aventura se interrumpe con su detención por parte de la policía, pero de nuevo vuelve a cruzar el Estrecho, cerrándose así el ciclo que deja una puerta abierta a la esperanza.

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– BWANA (1996) IMANOL URIBE.

Un taxista y su familia se van de vacaciones a la costa andaluza esperando pasar un agradable día de verano; pero, cuando llegan, se topan con un inmigrante ilegal de raza negra que no entiende el castellano y que está muerto de hambre y de frío. Al principio sienten miedo y deciden marcharse del lugar, pero pierden las llaves del coche y se ven obligados a pasar la noche con el desconocido.

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-LEJOS DE ÁFRICA (1996).- Cecilia Bartolomé.

Crónica sobre la amistad entre dos niñas de diferentes razas, una blanca, Susana, y otra negra, Rita. La acción se sitúa en Guinea Ecuatorial, entre 1950 y 1961. Gracias a su amiga, Susana irá descubriendo el fascinante mundo africano, al tiempo que se hace mujer y llega a sus vida el amor de un hombre.

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-DIAMANTES NEGROS.- 2013 miguel Alcantud

Tras ser captados en Mali por un ojeador de fútbol, los jóvenes Amadou y Moussa abandonan su país, escapando de la pobreza, y llegan a Madrid persiguiendo el sueño de triunfar como futbolistas. La gira que hacen por España, Portugal y el norte de Europa les mostrará las sombras del deporte rey.

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PALMERAS EN LA NIEVE (2015) FERNANDO GONZÁLEZ MOLINA

 La película de Fernando González Molina partía del hándicap de tener que resumicientos de páginas de la novela original.

Es 1953, Kilian abandona la montaña oscense para emprender con su hermano un viaje a Fernando Poo, una antigua colonia española en Guinea Ecuatorial. Allí les espera su padre, en la finca Sampaka, donde cultiva uno de los mejores cacaos del mundo. En la colonia descubrirán que la vida social es más placentera que en la encorsetada y gris España, vivirán los contrastes entre colonos y nativos y conocerán el significado de la amistad, la pasión, el amor y el odio.

BLACK HARVEST

1.-Los dibujos de negros de Castelao revisitados.

2.- Una desoladora meditación sobre el viejo querido Hemingway… ¿De verdad amaba tanto a África como cuentan las crónicas o eran el escenario de su egolatría…?

En cualquier caso, visto lo que sigue, África no parecía amarle a él demasiado…

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En 1933, Hemingway y Pauline fueron de safari a África del Este. El viaje de diez semanas proporcionó material para Las verdes colinas de África, así como los cuentos «Las nieves del Kilimanjaro» y «La corta vida feliz de Francis Macomber».77 La pareja visitó Mombasa, Nairobi, y Machakos en Kenia, y luego viajaron a Tanganica, donde cazaron en el Serengeti en torno al lago Manyara, y al oeste y al sureste del actual Parque nacional de Tarangire. Su guía fue el notable «cazador blanco» Philip Hope Percival, quien había guiado Theodore Roosevelt en su safari en 1909. Durante estos viajes Hemingway contrajo disentería amebiana que causó un intestino prolapsado, y fue evacuado en avión a Nairobi, una experiencia reflejada en «Las nieves del Kilimanjaro». Al regreso de Hemingway en Cayo Hueso a principios de 1934, comenzó a trabajar en Las verdes colinas de África, que se publicó en 1935 recibiendo críticas mixtas.

En 1954, cuando estaba en África, Hemingway casi murió en dos accidentes aéreos sucesivos que lo dejaron gravemente herido. Como regalo de Navidad a Mary había contratado un vuelo turístico sobre Congo belga. En camino a fotografiar las cascadas Murchison desde el aire, el avión chocó contra un poste de electricidad abandonado y tuvo que realizar un «aterrizaje de emergencia en la densa maleza». Las lesiones de Hemingway incluyeron una herida en la cabeza, mientras que Mary se rompió dos costillas. Al día siguiente, en un intento de llegar a la asistencia médica en Entebbe, abordaron un segundo avión que explotó durante el despegue; Hemingway sufrió quemaduras y otra conmoción cerebral, esta vez lo suficientemente grave como para provocar fugas del fluido cerebral. Finalmente llegaron en Entebbe donde se dieron cuenta de que los periodistas estaban cubriendo la historia de la muerte de Hemingway. Informó a los reporteros y pasó las siguientes semanas recuperando y leyendo sus obituarios prematuras. En un incendio forestal fue nuevamente herido, sosteniendo quemaduras de segundo grado en las piernas, el torso frontal, labios, mano izquierda y el antebrazo derecho. Después de los accidentes de avión, Hemingway, que había sido «un alcohólico apenas controlado durante gran parte de su vida, bebió más de lo habitual para combatir el dolor de sus heridas».

QUEEN

¿Qué pasa entonces con THE AFRICAN QUEEN  de John Huston, 1951, una de mis pelis favoritas de todos los tiempos…? ¿No cabe incluirla en el mismo saco de “África como paisaje” …?

La solución, en el próximo capítulo…

LA VERGÜENZA

LA VERGÜENZA

 

 

 

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